Aunque hace tiempo que estamos dispuestos a enterrar el arte urbano como vanguardia, siempre hay una vuelta de tuerca más, algo que nos hace volver sobre el tema, como si camináramos en círculos. Y es que la evolución abstracta de muchos de los que encarnaron la revolución urbana sigue dando frutos interesantes, como la obra de Jan Kaláb y su actual obsesión con las formas redondas y todo lo que la perfección del círculo inspira… de burbujas a planetas.



Aunque para ser completamente honestos, el trabajo del checo Kaláb no se trata sólo de obras circulares, su origen tiene lugar en forma de letras (puro graffiti) para después encarnarse en formas geométricas y planos que se superponían, reinventando las tres dimensiones. En su último paso a redondeado la idea, siguiendo su línea de colores planos y abstracción tridimensional. El resultado se puede ver estos días en BC Gallery (Berlin) bajo el título Tension hasta el 27 de Febrero.

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El misterio que presenta la falta de una información precisa y completa en las obras que os queremos mostrar hoy, es a su vez un aliciente para adentrarnos en la madriguera del conejo, una vez más. Surrealismo y psicodelia de la mano, como suele ser habitual, para acompañarnos en viaje más allá, borrando los límites de la cultura visual preestablecida. Así es Cirrus Minor y sus obras digitales de aspecto pictórico.



Mujer, original de Ucrania y presente en este mundo virtual expositivo desde 2011, eso es todo lo necesitas saber sobre Cirrus Minor. Aunque su propio nickname bien sirve como pista del mundo en el que te introduces cuando buscas un poco más profundamente, una canción de Pink Floid no puede ser más que una puerta a otro universo. Allí dioses devoran astronautas, astronautas sueñan con naturaleza increíble, plantas y animales revelan colores sin nombre y los niños crean con estos colores nuevos dioses. ¿Dónde estábamos? ¿Quién es Cirrus Minor? ¿Y qué importa?

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Siempre lo diremos: Belio no es un medio musical. Sin embargo, muy de vez en cuando nos gusta saltarnos nuestras propias reglas y dedicar un reportaje a un proyecto musical. No se trata de la música, un arte en si mismo, sino del conjunto que rodea la obra de un artista, sea en el formato que sea. Nos interesan aquellos individuos que no se conforman con una sola disciplina, sino que trascienden campos y fronteras para encontrar y transmitir su mensaje en su máxima expresión. Forndom no solo es el proyecto musical de H.L.H. Swärd, sino su incursión en arte inspirado por la religión y el folclore nórdico.



La historia de Forndom comienza en un pueblo sueco, Norrköping, donde Swärd creció, estudió y creó su primera banda de música, un proyecto entre death y progressive metal. Sin embargo su voz interior clamaba una identidad propia, un estilo de música distinto y un arte propio. Así es como primero Heathen Harnow, más centrado en la fotografía y la pintura, y después su nombre definitivo, Forndom, han tomado forma y personalidad al mismo tiempo que creció su interés por estudiar las religiones, en concreto la nórdica. La conexión entre religión y naturaleza, como los increíbles bosques de la zona escandinava, está sin duda presente en la densas atmósferas de las canciones que forman Dauðra Dura:



El 29 de Enero es el lanzamiento oficial del disco de debut de Fornom, Dauðra Dura, a través del sello Nordvis. Tras el éxito de su previo EP Flykt, publicado el año pasado, Swärd profundiza en su personal y contemporánea revisión del folk nórdico, con sonidos atmosféricos y ritmos marciales, todo ello siempre acompañado de una presentación visual exquisita, donde se incluyen parte de sus recientes fotografías y dibujos.

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Hay artistas que dedican una vida completa a contar una historia sin principio, ni final, un estudio de otra realidad, la creación de un universo que se expande obra tras obra, ilustración tras ilustración o página tras página, como sucede con el Codex Seraphinianus de Luigi Serafini. Obras propias de un loco o un genio, es la definición que los mortales pueden dar al autor de tal labor. Algo de todo esto se da en la obra de David Jien, que no solo recuerda al imaginario de Serafini, también a la estética de mitos y leyendas, así como cuentos del lejano oriente.



David nació en 1981 en Los Angeles, y allí sigue afincado creando su universo paralelo, un lugar que resulta familiar y extraño al mismo tiempo, con claras raíces en la cultura tradicional asiática, pero con añadidos puramente pop de los Estados Unidos. En realidad Jien está contando su propia historia, cada personaje tiene su razón de ser, todos están vinculados y año tras año esa historia continúa con nuevas obras donde el sexo, la mitología, el humor y la fantasía van de la mano. ¿Hasta que punto David Jien es un esclavo de su obra, de su propia locura? No lo sabremos hasta que lleguemos al final.

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Nuestro primer contacto con Delta tuvo lugar en el año 2000, cuando publicamos un reportaje sobre su futurista visión del graffiti de aquella época, tuvo lugar en Belio 004. Desde entonces son 16 años, nosotros hemos cambiado y Boris Tellegen también. No se trata de una mutación extraña, sino de una evolución introspectiva que te hace ser más yo, más puro, un viaje al centro de tu universo, aquello que siempre estuvo allí oculto bajo miles de capas superficiales.



Para empezar hace tiempo que Boris llama a las cosas por su nombre, es decir… con nombre y apellidos: Boris - Tellegen. Una formalidad que para el 99% de artistas es sinónimo de madurez artística. En segundo lugar también hace tiempo que se ha olvidado de etiquetas para definir su arte: Sí, es verdad que su carrera comenzó como artista urbano vinculado al graffiti, pero de eso hace ya mucho. Su obra puede tener lugar en la calle, en una galería, en un museo o en su casa, la obra no se define por su contexto, sino al revés. Y por último, estéticamente Tellegen ha sabido hacer una evolución inteligente, fiel a su concepto, pero libre en sus formas, tendiendo a una abstracción cada día más interesante.

Aquí os presentamos sus más recientes obras, las que se podrán ver a partir de hoy en Bruselas, en su nueva exposición en solitario en Alice Gallery hasta el día 20 de Febrero. El título de la exposición, ∇ (una versión invertida del símbolo Delta) hace referencia precisamente al proceso y concepto de la obra actual del holandés: Invertir los procesos del graffiti, quitar en lugar de añadir sobre la superficie.

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En ocasiones la búsqueda de singularidad toma un sentido opuesto al estereotipo de modernidad, es decir, a pesar de todas las posibilidades expresivas del 3D, los gráficos con aire futurista y las imágenes que parecen sacadas de una película de ciencia ficción, aún hay la posibilidad de echar la vista al pasado y rescatar, o mejor dicho: reinventar, un estilo propio de otra época para crear algo completamente único y contemporáneo. Así sucede con Joe White y su estudio de diseño gráfico Ye Olde Studio.



La tipografía en todas sus formas es la mejor baza de este diseñador inglés, quién se considera autodidacta. Combinado además con un exquisito sentido estético de la elegancia y cierta pasión por la ilustración grabada, hacen de White el candidato perfecto para branding y packaging de clientes en busca de distinción. Desde el lettering a la creación de anagramas, emblemas y logotipos, Joe ha conseguido crear un estilo personal capaz de evocar épocas doradas del arte gráfico con fines comerciales.

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En las muchas definiciones de línea se dice que es “una sucesión continua de puntos”, también se dice que es la forma de expresión “más sencilla y pura” e incluso que es “una invención de los dibujantes”, ya que “en la naturaleza un objeto es distinguido de otro por su diferencia de color o de tono.” Y el artista italiano Massimo Uberti es sin lugar a dudas uno de los mayores impulsores de la línea como objeto de creación artística, aunque sus líneas no son una sucesión de puntos, sino de luz encapsulada en neón.



Entre todas las obras e instalaciones de light art que Uberti ha realizado en más de 25 años de carrera, son aquellos espacios y objetos comunes, como habitaciones, mesas, sillas y escaleras las que más popularidad han ganado. La oportunidad para el espectador de ver la realidad descontextualizada, reducida a su mínima expresión e iluminada es solo equiparable al placer que su creador experimenta al sentarse en paz en medio del vacío, donde todo ha desaparecido y solo hay luz.

Actualmente se puede visitar su muestra individual Le Jardin en el studio Geddes Franchetti (Roma) hasta el 28 de Febrero.

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En el mundo del arte nuestros héroes siempre han sido aquellos artistas renacentistas, es decir, artistas totales en su manera de ver el mundo y expresar su talento más allá de disciplinas con bordes delimitados. No nos referimos necesariamente a artistas famosos que han transcendido en la historia del arte, sino cualquiera que a día de hoy no encuentra límites a las posibilidades creativas. Ya sea arte digital, pintura, vídeo, escultura o arquitectura, la mente de Francisco Alarcón Ruiz va más allá de la superficie, de las capas, de los bordes…



Y también más allá de las fronteras, nacido en Almería y actualmente residente en Los Angeles, Francisco ha cosechado éxito aquí y allí. Ha colaborado en proyectos de arquitectura con IDEA office + Hirsuta, Selgascano y Xefirotarch, entre otros muchos estudios. Pero sin duda lo que más llama nuestra atención son sus Carved Paintings, híbridos entre pintura abstracta y escultura que recuerdan a paisajes de coloridos estratos. La obra de Alarcón es una exploración en profundidad a multiples escalas, de lo meramente físico a lo puramente imaginario.

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Nuestro primer reportaje de 2016 se lo queremos dedicar a un viejo conocido de Belio, Daan Botlek, al cual publicamos hace ya muchos años en nuestro querido Monztaaah, desde entonces su obra ha seguido creciendo, evolucionando, sin perder personalidad, todo lo contrario, profundizando en un universo básico, mental, puzzleriano y con un refinado sentido del humor.



Original de Rotterdam, Botlek lleva décadas dedicado a la ilustración y al arte urbano. Sus creaciones divagan sobre las matemáticas, las leyes físicas, las reflexiones meta sobre el arte y el individuo, etc. Y a pie de calle sus más recientes obras se dedican a confundir la mente racional a base de falsas perspectivas y geniales juegos de luces y sombras. Para nosotros, Daan merece su propio libro (como un Die Young), un lugar de poder encontrar todo su universo, un libro infinito, en expansión…

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Este año aparte de clasificar nuestros vídeos favoritos del 2015 en música, arte y animación, hemos querido crear otra categoría para aquellos vídeos que nos cuentan historias, ya sean cortos o pequeños documentales, ficciones o retratos realistas. El mensaje en este caso es el eje central, aunque las formas también son importantes, como si se tratara de libros que en lugar de páginas tienen fotogramas.

Con estos y el resto de vídeos seleccionados despedimos un año genial. Y os emplazamos al 2016 para seguir compartiendo inspiración, sueños, creación y realidades paralelas en Belio.





















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Las animaciones nos gustan por dos motivos: por la conexión sentimental que se establece con la infancia y la imaginación, y también por su estrecha relación con el mundo de la ilustración y la pintura, uno de los pilares disciplinares de Belio. Aunque la animación es un género en si mismo, sus posibilidades expresivas son tantas que su campo de acción no es sencillamente el terreno del entretenimiento infantil ¡Para nada! Y de muestra aquí tienes, todo tipo de propósitos, audiencias y técnicas.

Junto a vídeos de música, piezas de vídeo arte y cortos (mañana), los siguientes vídeos son, a nuestro juicio, los mejores ejemplos en animación que han pasado por nuestras retinas en 2015:





















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Ayer, a raiz de los Mejores Vídeos de Música 2015, comentábamos que no somos un medio musical. Sin embargo nos confesamos medio de Arte. Por eso al dar un repaso a los vídeos que más nos han inspirado a lo largo del año, es ineludible dedicar un día a re-visionar aquellos vídeos que consideramos "arte" en si mismo. Es decir, el vídeo por el vídeo como medio de creación / expresión, como objeto estético. Tan digno de estar en la pared de un museo o una galería como en tu pantalla.

Mañana te enseñaremos nuestras animaciones favoritas del año y pasado historias en forma de cortos y documentales. Pero ahora siéntate, relájate y déjate fagocitar por las siguientes piezas de vídeo arte:





















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Nos encanta llegar al final del año, mirar atrás y revisitar aquellos momentos que más nos han inspirado. En los últimos años ha sido y es el formato vídeo el que hemos elegido como súmmum de la combinación de distintas disciplinas. Belio es arte gráfico, diseño, ilustración, fotografía, escultura, pintura, performance, instalación, arte urbano, visuales, música, danza… Y de alguna forma el vídeo se a convertido en contenedor y conector de esas artes, así como uno de los formatos más potentes para difundir música, crear arte, animar fantasías y contar historias.

Hemos seleccionado 40 vídeos, nuestros favoritos de 2015 clasificados y repartidos en 4 categorías: Música (hoy), Arte (mañana), Animación (pasado mañana) e Historias (traspasado mañana).



MUSIC
Aunque no somos una medio musical, reconocemos la gran influencia que la música tiene en Belio, especialmente como fuente de inspiración. Es innegable la fuerte conexión existente entre artes visuales y música. Desde el origen Belio tenía como misión poner imagen al sonido.

Independientemente del estilo musical que te / nos guste, los siguientes han sido a nuestro juicio las mejores combinaciones de vídeo y música en 2015:




















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Todo proceso físico está sujeto al paso del tiempo, nada es eterno, todo cambia, todo está en movimiento, en constante proceso de cambio, y en ocasiones estos procesos de cambio suceden demasiado rápido como para poder pararnos a observar su belleza. Podríamos estar hablando de la naturaleza, así como del intangible interior de la psique humana, pero en esta ocasión hablamos de la obra de Cliff Briggie, que no por casualidad resulta ser psicólogo y fotógrafo.



Las fotos de Briggie están llenas de detalle, son imágenes que invitan a una atenta y detenida contemplación. En este reportaje verás algunos de los miles de momentos que ha congelado con su cámara y sus experimentos con todo tipo de líquidos. Su inquietud en la fotografía va más allá, explorando todo tipo recursos naturales: hielo, agua, nubes, texturas de óxido o procesos de secado de flores, entre otros. El resultado tiende siempre a la abstracción a través de la macrofotografía, perfectas imágenes para que Cliff nos pregunte ¿Qué es lo que ves? Di lo primero que venga a tu mente.

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Las fechas que se aproximan, las Navidades, son también época tradicional de cuentos. Será por el frío y el placer que produce estar en casa bajo una manta con un libro. La literatura es una de las artes más efectivas cuando se trata de inspirar la mente humana. Sin embargo es bueno tener la ayuda de ciertos creativos gráficos, compartiendo su imaginación con todos los demás, dando forma a las fantasías colectivas. El maestro de ceremonias del cuento de hoy en Belio es el joven Sergio Santurio.



Original y residente de Gijón, Sergio siempre ha dejado que su verde entorno influya su obra, siendo así la naturaleza la raíz de todo su universo fantástico. Empezó dibujando de niño para más tarde, de adulto, convertirse en un artista polifacético. Ilustración, escultura, fotografía y vídeo dan forma física a su obra. O quizás deberíamos decir que dan forma física a los seres increíbles que solo se muestran a personas sensibles y con paciencia. Su historia, su paso por galerías, por La Casa Negra de Soto de Dego o su más reciente residencia en La Casa del Reloj de Gijón, solo pueden apuntar a nuevos y emocionantes capítulos por venir.

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El pasado jueves de 3 de diciembre se inauguró To Be Determined, la primera exposición individual de Robert Hardgrave en Europa. La muestra, comisariada por Javier Iglesias de Belio Magazine, se puede visitar hasta el 9 de Enero en Swinton Gallery, Madrid.



Un valiente explorador de mirada sincera. Robert Hardgrave es más que un artista americano con una larga e interesante trayectoria. Su arte está inseparablemente unido a su experiencia de vida. Ambos están marcados por importantes capítulos con estilos bien definidos, diferentes entre ellos pero unidos a través de una evolución tranquila y consciente.

Nacido en Oxnard, California, Hardgrave ha hecho una importante contribución a las artes visuales de la costa noroeste de Estados Unidos durante más de una década. Finalista en 2014 del Premio Neddy de Pintura en la Universidad de Bellas Artes de Cornish y nominado en el mismo año al Premio de Arte Contemporáneo del Noroeste por el Museo de Arte de Pórtland, Robert ha mostrado su obra en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en Seattle, Los Ángeles, San Francisco, Denver, Chicago o Nueva York. Esta es su primera exposición individual fuera de Estados Unidos.



La obra de Hardgrave recorre el camino de la figuración abstracta a la abstracción figurativa. En ese recorrido recoge influencias de las vanguardias artísticas, de manera que en sus obras podemos encontrar elementos cubistas, expresionistas y dadaístas. En realidad, no hay un solo camino para Hardgrave, solo libertad. Robert trabaja y se deja llevar por la técnica, se expresa en cualquier dirección que esta le lleva. Explora, se pierde y encuentra un nuevo camino, una nueva técnica, una nueva expresión, pero en realidad, tampoco es nueva, era suya y estaba ahí esperando a ser reencontrada.

En esta exposición Hardgrave nos muestra sus últimos pasos, su última reencarnación artística, a través de dibujos de pequeño formato y collages de grandes dimensiones realizados a base de prodigiosos transfers de tóner sobre Tyvek, un tipo de papel muy resistente hecho a base de fibras de polietileno de alta densidad.

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Hay artistas como Olafur Eliasson que sabemos van a volver a nuestras páginas una y otra vez. No solo porque nos declaremos fan absolutos de su obra y discurso, también porque son el tipo de artistas que siguen desarrollando una carrera interesante, expandiendo su universo creativo con cada oportunidad que se les presenta. Es precisamente lo que sucede cuando Eliasson recibe la invitación para realizar una exposición en el Palacio de Invierno del Principe Eugenio de Saboya en Viena, allí presenta Baroque Baroque.



Siendo este palacio una joya de la época Barroca, Olafur busca y encuentra la mejor manera de jugar con el espacio y crear una muestra que no solo representa la esencia de su obra, sino que también se adapta en perfecta simbiosis a un entorno tan complejo como puede ser un marco de este estilo. Como ya sabes, el Barroco se caracteriza por el exceso de ornamentos, una sobrecarga visual que Eliasson ha sabido dar la vuelta y hacer que juegue a su favor, en lugar de llenar, ha creado un conjunto minimalista y elegante donde la geometría, la luz y los espejos añaden una dimensión extra, devolviendo magia y esplendor a una época pasada.

La exposición Baroque Baroque se puede visitar hasta el día 6 de Marzo de 2016.

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Fotos: Jens Ziehe, Cortesía de Studio Olafur Eliasson.

Cuando miramos las ruinas que nos dejaron antiguas civilizaciones no podemos evitar pensar en qué dejará nuestra sociedad detrás…Y cómo lo verán los exploradores del futuro. A través de la literatura, del cine y de obras como las de Michał Karcz podemos imaginarnos en esa posición. Aunque en su caso, esa inspiración viene en gran parte de la música. Por esto mismo, muchos de sus trabajos más destacados han sido como portadas de discos para artistas como Steve Roach, Front Line Assembly, VNV Nation, The Glitch Mob, etc.



Nacido en Polonia en 1977, Karcz empezó su carrera en el mundo de la fotografía en los noventas, dejando a un lado su gran pasión por la pintura. No ha sido hasta hace unos años cuando ha visto unidas sus dos pasiones, gracias a los medios digitales, su destreza en pintura no solo le ha servido a la hora de crear un visión distinta del mundo, también técnicamente le ha llevado a conseguir el realismo que sus obras de ficción consiguen. Las obras de Michał nos muestran paisajes increíbles, escenarios perfectos donde desarrollar nuestra capacidad para imaginar historias épicas.

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No es ninguna novedad afirmar que el ser humano es capaz de todo lo mejor, pero también de todo lo peor. Quizás la auto-proclamada "inteligencia" sea la responsable de todo lo paradójico en el ser humano. Hablar sobre esta paradoja es un tema profundo, inabarcable, la relación de las partes que nos hacen lo que somos, sentimientos y maneras de ser y actuar en contra de nuestra propia naturaleza se ejemplifican en todo tipo de eventos, afortunados y desafortunados. El arte es quizás una de esas consecuencias positivas, que además nos permite retratar esa misma paradoja… Y aquí es donde la obra de Jon Rafman entra en juego.



Se ha dicho que la obra de Rafman se centra en el post-internet, en el impacto que la tecnología ha tenido sobre el ser humano y su conciencia, y así es, aunque quizás esto sea la superficie de un problema inherente. Al hablar de la virtualización y desvinculación del individuo con la sociedad a través de la conexión con internet, Jon retrata el lado oscuro del ser humano, su naturaleza adictiva, enferma y antisocial. Su obra escarba en los pozos negros que todos tenemos y de todo ello construye arte en forma de vídeos, pinturas, esculturas, ensayos e instalaciones. Obras que no son del gusto de todos los estómagos…



Fue a través de su vídeo Still Life (Betamale) en colaboración Oneohtrix Point Never que descubrimos su obra, especialmente en vídeo, piezas como Mainsqueeze, 2014, A Man Digging, 2013 o su más reciente Sticky Drama, otra vez con OPN, representan el mundo según Rafman. Actualmente se puede visitar su primera gran exposición en solitario en Inglaterra, hasta el 20 de Diciembre, Jon Rafman en la Zabludowicz Collection ¡Visita obligada!

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La segunda parte de nuestro reportaje sobre la recientemente clausurada 56ª edición de La Biennale di Venezia esté dedicada a los países y artistas presentes en el espacio denominado Arsenale, un histórico complejo arquitectónico utilizado como antiguo almacén de armas.

Allí se encontraba gran parte de la exposición comisariada para la ocasión por Okwui Enwezor, que bajo el título All the World’s Futures presentaba perspectivas actuales en el arte. Quizás se puedan interpretar visiones de un posible futuro, las cuales en su mayoría se acercan más a la distopía que a una utopía. Así sucede con obras tan destacables como los neones de Bruce Nauman, las esculturas industriales de Melvin Edwards y Monica Bonvicini, la siempre genial Katharina Grosse, o escultura y vídeo "The AK47 Vs. the M16" de The Propeller Group.

En cuanto a los países presentes en esta parte de la Biennale, las propuestas que mas llamaron nuestra atención fueron China, Argentina, Singapur y Latvia. La representación de Italia, a pesar de ser la anfitriona, dejó que desear más sangre fresca, cuyos artistas parecían encorsetados por un tema tan clásico como es la revisión del Codice, sobre el conjunto sobresalían las obras de Alis/Filliol, Marzia Migliora y Nicola Samorì.

PABELLÓN PRINCIPAL: All the World’s Futures


The Propeller Group

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Bruce Nauman


Bruce Nauman


Monica Bonvicini






Katharina Grosse






Melvin Edwards



ARGENTINA: Juan Carlo Distéfano "La Rebeldía de la Forma"












LATVIA: Katrïna Neiburga y Andris Eglïtis








CHINA: Xu Bing "Phoenix Project"








CHINA: Lu Yang












Fotografías por Silvia Pasquetto

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