Imagina que estas en Reino Unido, más concretamente en la estación de tren de Middlesbrough... Lo que allí vas a experimentar no es para nada paranormal, sí hay un vacío, un vacío significativo en los pósters que ocupan la estación, pero esa misma es la obra de John Taylor, un proyecto gráfico que deconstruye pósters clásicos del cine bajo el título Film The Blank.



Esta obsesión por simplificar, reducir a su más básica estructura, y vaciar, no solo de letras, también de sus figuras humanas, es un intento por empujar la mente del espectador a descubrir la potente conexión sentimental existente entre el mundo visual y los recuerdos. Obviamente los más cinéfilos tendrán una mayor probabilidad de identificar el origen de estas composiciones abstractas. Pero dejando a un lado este aspecto, este proyecto también resulta interesante por su intrínseco estudio del color y la composición en diseño gráfico.

Aunque este es un proyecto que Taylor comenzó en el año 2008 como un juego visual, fue en el año 2010 cuando adquirió mayor popularidad y ha continuado presente de una u otra forma a través de ediciones impresas, libros, postales o como en esta ocasión, como parte del proyecto The Tunnel Gallery. La muestra se puede visitar en la estación de Middlesbrough hasta el día 25 de Agosto.

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Hay muchos tipos de fotografía, como en cualquier disciplina, y en Belio nos solemos decantar por aquellos creadores con un sentido más artístico y menos comercial, pero el caso de Stephanie Gonot es una pequeña excepción a esta norma. Sus fotografías se encuentran cercanas a la foto de catálogo, sobre productos, alimentos, moda, etc. Pero a base de un cuidado estudio del color y la composición, Stephanie consigue un sello de identidad tan propio como artístico.



Aparte del color, otros dos factores que hacen destacar la obra de Gonot son su agudo sentido para identificar y aplicar tendencias estéticas, y además cierta fascinación por la cultura Trash y Pop, buscando un equilibrio estético entre ambas. Esto es consecuencia de su trabajo además como comisaria para Good Pictures y el blog de fotografía de Good Magazine, o su propia selección bajo el proyecto Please Excuse The Mess. Y también muy probablemente todo este mundo colorido, brillante y luminoso sea reflejo de esa California ideal y soleada donde reside Stephanie.

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El término Post-Digital aplicado en arte y música no está libre de ciertas críticas y suspicaces medias sonrisas. Si el formato final de una obra es digital o de una época pre-digital, ¿Qué formato tiene una obra Post-Digital? Obviamente, el pensamiento y las teorías siempre van por delante de las acciones, a veces demasiado por delante de la realidad. Por lo tanto el arte y la música se conceptualiza, su evolución conceptual va pasos por delante de su evolución técnica. Pero ¿Qué pasaría si tras esta época tecnológica pasáramos a un gran apagón? En este caso obras como la de Lauren Pelc-Mcarthur serían la perfecta definición de dicho tipo de arte.



La obra de Lauren se puede dividir entre pintura y creación digital, imagen estática y vídeo. Lejos de ser disciplinas distantes, Pelc-McArthur permite y potencia la hibridación entre ambas, desde el uso de texturas creadas manualmente dentro de sus obras digitales, a la aplicación de elementos generados con herramientas 3D como base e inspiración para luego pintar sobre lienzo. Pero sobre todo un uso experimental y valiente de la tecnología con un carácter expresivo y gestual. Lo cual implica el uso de errores digitales, glitches, como si fueran un bote de pintura en las manos de Pollock... El resultado es visualmente salvaje, pero técnicamente concreto, cuidado y perfeccionista: Una simulación orgánica de los caprichos estético-anárquicos de lo virtual.

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Si fuera por el estilo o la calidad técnica de las fotografías que te vamos a mostrar a continuación, seguramente no nos hubiéramos fijado en la obra de Alex. Pero el sustrato que alimenta estas series de fotografías es precisamente lo que convierte la obra de The Observer en algo interesante. Alex práctica una pasión, observar a personas a las cuales no tiene el placer de conocer formalmente, extraños por lo cuales siente fascinación, admiración y un deseo irresistible por capturar su belleza cotidiana.



Generalmente esta actitud, espiar a tus vecinos, es mal vista y puede ser considerado "acoso". Pero Alex, de la cual no sabemos nada más, se siente a gusto con esa etiqueta: stalker photographer. No busca fama, tan solo disfruta capturando estos momentos íntimos, a pesar del peligro implícito en la ilegalidad de su pasión. ¿Y cómo ha llegado su obra y trasfondo hasta nosotros? He aquí la segunda parte de la historia: MP Cunningham es un realizador de vídeo que al conocer a Alex a través de unos amigos en común, quedó fascinado y decidió contar su historia a través del siguiente vídeo:



Para ello MP tuvo que ganarse la confianza de The Observer, para obtener su "confesión". De la combinación de su honestidad frente a la cámara y el refinado estilo cinematográfico de Cunningham, se crea un retrato bello, inquietante e inocente que cuestiona los límites de las normas sociales y morales establecidas, pero que además redimensiona y recontextualiza una obra hasta el momento intima, privada, casi secreta. El vídeo documental de MP es a Alex lo que The Observer es a los anónimos protagonistas de su obsesión.

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Cuando por fin se termina la época de reivindicar un medio como bandera (véase: street art / arte urbano) y poco a poco la moda se va disolviendo, es cuando hay que prestar atención a aquellas mentes inquietas capaces de sorprender o dejar marca propia por encima del eterno "todo está ya hecho". Lo de pintar en la calle por pintar no tiene gracia si no es con un buen motivo, pero sobre todo sino es con una obra solida de fondo. Es decir, conocer tu pasado, tomar referentes de aquello que hay más allá de una escena y ser capaz de expresar tu alma en cualquier formato.



Esto mismo es lo que vemos en la obra del tardío Shida. Que aunque empezó a pintar entre el 2004 - 2006, supo capturar la esencia del boom del street art, especialmente con referentes cercanos al futurism graffiti de She One, Futura 2000, Mr Jago y Will Barras, y mezclarlo con clásicos del expresionismo abstracto como Pollock y Rothko. Aparte de ciertas influencias propias de la pintura paisajista, el cómic y la ilustración.



Cuando eres de un lugar de por si tan lejano como Australia, es normal que tu obra tarde en llegar a las escenas de Europa y America, lo cual ha movido a Shida a viajar por todo planeta, recogiendo influencias y dejando su huella a gran escala. Aunque más que huellas ha dejado criaturas, entre humanoides y alienigenas, acompañadas de animales fantásticos, propios de un paraíso remoto, quizás de otra dimensión.

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El hexágono se manifiesta naturalmente tanto en las formas vivas como en las no vivas. Los alvéolos pulmonares tienen forma de red hexagonal y la estructura molecular de la celulosa de la madera tiene esta misma forma. Los cristales de cuarzo son de simetría hexagonal y poseen la característica de ser piezoeléctricos, es decir, tienen un comportamiento electromecánico, traduciendo la presión en electricidad y esta en pulsos mecánicos.

Otra de la peculiaridades de un hexágono es que trazando una línea recta conectando los vértices y el centro se puede ver como un cubo... Y precisamente este efecto casi-mágico que va de lo bidimensional a lo tridimensional es una de sus grandes atracciones para artistas visuales que gustan de jugar con lo surreal en su aspecto más abstracto. Este es el caso de Hexeosis.



Con el fin de "representar el infinito de forma visual", este diseñador y animador de California creo su alterego y un tumblr donde da rienda suelta a pequeñas animaciones gif creadas en Cinema4D y AfterEffects. A medio camino entre la geometría sagrada y la neo-psicodelia de los últimos años, la obras de Hexeosis son capaces de hipnotizar al espectador... ¿O no?

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Siendo las fechas que son, en pleno verano, nos gusta ilustrar nuestros sueños a través de reportajes sobre artistas que representan ese concepto de viaje. Pero no lo hacemos solo para complacer nuestra inquietud, también lo hacemos para inspirar a nuestros lectores, quizás buscando un nuevo horizonte. No hace falta imaginar y crear un nuevo mundo, en el que vivimos ya es espectacular, tal y como nos muestran las fotografías de Randy P. Martin. Pero sus fotos no son meras capturas de paisajes, hay más, mucho más...



Como buen norteamericano, Randy tiene a sus pies bastos y ricos territorios que explorar y ha hecho de ello un fin en si mismo. Su obra nos muestra el paisaje en conexión con sus protagonistas, la figura humana está presente en el 99% de sus fotografías. Pero por lo general está conexión no solo establece un escala de proporciones, sino que añade un aspecto sentimental, romántico, que va unido al concepto de libertad y aventura, así como la idea de superación al alcanzar la cima de una montaña, el borde de un acantilado o una remota cascada lejos del bullicio de las ciudades. Las fotografías de Martin invitan a viajar y si es posible a continuar el mismo viaje hasta el final de nuestros días.

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Citar a la firma Prada y al grupo de música Linkin Park como clientes te puede hacer pensar que a continuación te vamos a presentar un ilustrador comercial con un estilo pop y colorido... Y quizás así sea, aunque solo en parte, pues lo que llama la atención de la obra de James Jean es el perfecto equilibrio entre una visión bella, armónica y estilizada y un contenido retorcido, psicodélico e incluso macabro en ciertas ocasiones. Pero eso no es todo, Jean tan pronto hace una ilustración, como un cómic, un cuadro o un mural en la calle, por no decir una escultura, como diseña colección de joyería o una invitación de boda.



El trabajo de este joven artista taiwanés reúne influencias de distintas culturas, especialmente de la parte oriental, con un estilo que recuerda en parte al tatuaje tradicional japonés, pero con altas dosis de surrealismo y psicodelia-pop. Su carrera artística está actualmente centrada en el mercado de arte norteamericano, moviéndose en galerías tanto de Nueva York como de California, las dos grandes escenas del arte contemporáneo en los EE.UU., como Jack Tilton Gallery, Martha Otero Gallery o Jonathan Levine Gallery, entre otras. Su obra ha evolucionado a través de los años, dejando atrás una época colorida más cercana al mundo del cómic y la ilustración comercial, para adentrarse en un estética más sobria y madura, reduciendo su gama de color, pero ganando en detalles.

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Vivimos tiempos en los que la información lo es todo, da igual su origen y veracidad, siempre que se consiga su finalidad y efecto. El concepto fake se ha establecido como una realidad posible, con su perjuicios y beneficios, ahora más que nunca hay que cuestionar ¿Qué es la realidad? pero también plantearse si realmente esa cuestión sigue teniendo vigencia. La misma cuestión se puede plantear al observar la obra de Zachary Norman ¿Son reales o pura ficción? La respuesta no importa, pues el arte se nutre de materia intangible.



Especialmente las más recientes obras de este joven artista, su serie Exotic Matter. "En física, este término se aplica a aquella materia cuya existencia es hipotética o de la cual se conoce poco. En esta obra, he generado mi propia materia hipotética; cuyo exotismo depende completamente de su representación visual. El fenómeno y la materia representadas en estas imágenes no ha existido nunca. Pueden ser observadas pero no se pueden tocar." Afirma Zachary sobre su obra.

Este concepto de realidad / irrealidad, ya se encuentra presente en sus obras anteriores. A través del uso de la fotografía y los medios digitales, cuestionando así las normas que se aplican comúnmente a la fotografía como medio de representación. Ya sean experimentos reales o una realidad creada artificialmente, el observador obtiene una experiencia estética final igualmente valida, donde realidad y ficción se solapan, no hay conflicto entre una y otra, sino comunión.

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En muchas ocasiones no hace falta imaginar futuros distópicos, ni fantasías en clave de ciencia ficción donde unos exploradores viajan en el tiempo para descubrir algo del pasado. Esta misma es o puede ser nuestra realidad, al menos así ha sido para dos jóvenes artistas de Guadalajara en México. Ivan Puig y Andrés Padilla Domene se han convertido en exploradores, o como ellos mismos se han auto-denominado: Ferronautas en una misión particular a bordo de su proyecto SEFT-1.



Sonda de Exploración Ferroviaria Tripulada o SEFT-1 es "un proyecto de arte transdisciplinario, de interacción y difusión pública, que propone la exploración de vías de ferrocarril en desuso como punto de partida para la reflexión y la investigación." Tal y como ellos mismos lo definen. Se embarcaron en esta aventura documental, diseñando un vehículo que les permitiera viajar a través de todo tipo de terrenos, con el fin de descubrir ruinas modernas, su contexto, sus historias y las personas que han encontrado en esta aventura que les ha llevado a lugares recónditos del territorio mexicano entre los años 2010 y 2012, y cuya aventura continúo en Ecuador.



Sobre estas líneas podéis ver un pequeño documental sobre la experiencia. Y a continuación podéis ver planos de la sonda y fotos del proceso, pero es altamente recomendable visitar su web www.seft1.net, pues recoge a modo de blog, escritos, fotografías, vídeos e ideas. O si te encuentras en Londres puedes visitar la exposición que sobre este proyecto se encuentra en la Furtherfield Gallery hasta el 27 de Julio.

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La fuerza de un icono, un símbolo, un logotipo reside en su simpleza y en su universalidad. Es algo ligado al ser humano desde tiempos ancestrales, antes incluso de la creación de lenguaje verbal. Por esto mismo la comunicación a través de signos tiene cierto carácter mágico, especialmente cuando entran en juego formas geométricas y ciertos patrones que se encuentran en la misma base de todas las culturas. Por esto mismo artistas como Michael Robinson se sienten atraídos a reducir su discurso artístico a lo más elemental.



En el caso del Neoyorquino Robinson, la obsesión con este tipo de imágenes está estrechamente conectada con sus estudios académicos en diseño gráfico e historia del arte, en la Parsons School y la Central St. Martins College. Su obra combina esos símbolos y dibujos universales con otros de creación propia cuyo significado mantiene en secreto y que se repiten a lo largo de sus distintas series de serigrafías de edición limitada. Quizás Michael ha empezado su propia religión por la misma base que empezaron otras culturas, su iconografía simbólica.

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La imaginación es una potente herramienta para generar y modificar la realidad, su forma más comúnmente conocida y aceptada es el arte. Pero no olvidemos que como generalmente se suele decir, la realidad supera a la ficción en muchas ocasiones. La obra que os presentamos hoy se nutre de esas fantasías que residen en lo más oscuro de nuestra mente, su autor, Roberto Ferri las retrata al estilo de los clásicos, en óleo sobre lienzo y con un dramatismo propio de la mejor época Romántica o Prerrafaelita.



Ferri define su estilo claramente "inspirado por artistas del Barroco, en particular Caravaggio, y otros maestros del Romanticismo, el Academicismo y el Simbolismo como David, Ingres, Girodet, Gericault, Gleyre, Bouguereau, Moreau, Redon y Rops entre otros." Entre la extensa obra de Roberto, nosotros hemos seleccionado aquellas obras con un componente más onírico, en ocasiones pequeños detalles que hacen de su obra una alegoría de los más oscuros deseos y fantasías.

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El camino que va de la abstracción pura a la representación figurativa sigue siendo uno de los terrenos más amplios para la exploración creativa, son muchos los pasos entre una y otra donde artista y espectador se pueden recrear. Dicho camino es un proceso evolutivo continúo y la obras de Derrick Piens representan en cierta forma ese proceso. El sentimiento que transmiten sus esculturas está próximo a una experiencia temprana de percepción, donde forma, tamaño y color dominan el discurso artístico. El espectador tiene que dejar a un lado complejas pre-concepciones sobre el arte y dejarse llevar por la experiencia estética.



Apesar de tratarse de escultura, el aspecto más llamativo de la obra de Piens es sin lugar a dudas el uso del color, sobre este factor comenta: "Me interesan las cualidades evocadoras y emotivas del color y su potencial para dirigir e informar la comprensión que el espectador hace de la obra." En este sentido, el color en las esculturas de Derrick hacen de camouflage, haciéndonos olvidar ese aspecto tridimensional y físico. Sus obras bien podrían ser pinturas con la sorpresa de poder ser contempladas desde infinitos ángulos.

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Con la distancia y el tiempo adecuados se puede observar todo tipo de patrones sobre este plano de la realidad. En Belio cada día se hace más patente un esquema, un estilo, un mensaje... Definitivamente. Pero no se trata de un plan oculto, sino que se muestra a primera vista, especialmente a aquellos que sintonizan el mismo tipo de frecuencias sensoriales. Cada artista, cada evento y cada proyecto forman parte como piedras de un camino. Si hace poco inaugurábamos la exposición The Mask Show en Berlin, hoy os ofrecemos otra piedra, mágica: La obra del ilustrador hondureño Wimer Murillo.



El universo de Wilmer está claramente influenciado por las culturas ancestrales, el misticismo, la ciencia ficción y la música electrónica experimental, entre otros (piedras angulares que definen igualmente las inquietudes de Belio), y que plasma a través de dibujos de línea sencilla en forma de caracteres: seres mágicos, entidades fantásticas, animales del poder y enmascarados son los protagonista de escenas misteriosas, acabadas digitalmente en colores planos que tan pronto son parte de un libro, una revista, una camiseta, un mural o una aplicación para móvil. Y aunque actualmente Murillo se encuentra en Taiwan acabando su Master en arte en la Universidad de Taipei, lleva consigo las raíces de la cultura ancestral latinoamericana, tan patente en su obra más personal.

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Engañar a la vista es parte de la magia o como en la obra de Igor Eskinja se convierte en parte importante del arte. En el caso de Eskinja, su obra juega principalmente con la perspectiva y el paso entre bidimensional y tridimensional, por esto mismo su estilo tiene un componente muy gráfico, aunque se trate de instalaciones, estás están a medio camino entre la estética propia del diseño gráfico y el arte de galería.



Nacido en Croacia en 1975, Igor reside todavía en su ciudad natal, Rijeka, pero estudió Bellas Artes en Venecia. Actualmente expone habitualmente con FL Gallery de Milan y con la galería ADN de Barcelona. Aparte de los juegos visuales, otros de los componentes que definen su interesante obra es el uso de todo tipo de materiales comunes, objetos industriales y en ocasiones elementos propios del entorno expositivo, consiguiendo así una especie de autoreflexión sobre el mundo del arte y su sentido (o sinsentido).

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The Mask Collective continúa su actividad tras la celebración de su primer festival. Esta vez, el colectivo presenta una exposición que incluye artistas de muy distintas nacionalidades unidos por su común interés en la cultura de máscaras. Esta es una cultura universal que se encuentra en todos los niveles de la sociedad. En Europa muchas tradiciones que incluyen máscaras siguen aún vivas, pero también forman parte importante del arte contemporáneo. El simbolismo de la máscara varía de una cultura a otra, de lo sagrado en África a lo satírico en la Commedia dell'arte, o como un componente de la catarsis en el teatro griego.



La muestra colectiva tendrá lugar en Neurotitan Gallery del 7 al 21 de junio en Berlín. Incluye obras de 44flavours, Amrei Hofstätter, Arnaud Iprex, Beatriz Crespo, Geso / Pablo Iglesias, Lenin Ortega, Moran Sanderovich, Naemeh Shirazi y Washo Valenzuela. Pero además ofrece un marco abierto para la participación del público, dando la oportunidad a los visitantes a contribuir con la elaboración de una máscara para The Mask Project. Por encima de todo surge una pregunta... ¿Cuál es el papel de las máscaras en la imaginación del hombre contemporáneo? Averigualo! Ven a la inauguración el 7 de junio de 2014 a las 19:00 h.

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44flavours


44flavours


Amrei Hofstätter


Amrei Hofstätter


Arnaud Iprex


Arnaud Iprex


Beatriz Crespo


Beatriz Crespo


Geso / Pablo Iglesias


Geso / Pablo Iglesias


Lenin Ortega


Lenin Ortega


Moran Sanderovich


Moran Sanderovich


Naemeh Shirazi


Washo Valenzuela

Url relacionada: http://www.neurotitan.de/EN/archive/2014/140607_themaskshow_en.html

Es un verdadero placer observar el trabajo de artistas que mantienen algún tipo de vinculo con Belio en la redes sociales, como nuestro facebook, es sencillamente un enriquecimiento mutuo. Así sucede con Santiago Talavera con el cual es además un honor compartir cierta amistad social. Dicho honor se debe a la profundidad, dimensión y riqueza de su obra, una combinación de ilustración, pintura y collage de grandes formatos, donde el concepto de "riqueza" en el sentido formal y conceptual van de la mano.



Nacido en Albacete en 1979, Santiago vive y trabaja actualmente en Madrid, donde además tiene su estudio, un paraíso lleno de pedazos de papel, recortes, colores y texturas que terminan por conformar los múltiples universos contenidos en sus obras. Talavera explora el caos y la deconstrucción de la realidad figurativa a través de la superposición de historias inconclusas e imágenes fragmentadas, formando paisajes que combinan distintas escalas, dotando al conjunto de un carácter surreal y fascinantemente pop. Sus obras no solo ofrecen esa posibilidad de distintas dimensiones contenidas unas dentro de otras, en la realidad observar su trabajo es también una cuestión de dimensión, no es lo mismo ver este reportaje, que visitar su web: santiagotalavera.com y ver las obras a mayor tamaño. Y por supuesto, nada sería mejor que experimentar la dimensión real de sus obras, con todo detalle, en alguna de sus futuras exposiciones, un placer infinito...

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"El auténtico viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos paisajes, sino en tener nuevos ojos." Con esta cita de Marcel Proust se nos presenta Thomas Albdorf, un joven fotógrafo de Viena fascinado por lo casual y por la belleza intrínseca en la combinación de cotidianidad, azar y acción humana. Un tema que vuelve una y otra vez a nuestras páginas, entre el contenido que seleccionamos, por un solo motivo: la capacidad de ver belleza y singularidad en nuestro entorno y saber mostrarla.



En este caso, Thomas no es un mero fotógrafo dedicado a capturar lo que ve, sino que toma parte activa en la creación de su universo estético. Su obra habla por si misma: primero nos muestra su alto grado de observación, destacando su interés por los objetos industriales, especialmente en combinación con el paisaje. Segundo, cuando la realidad no es suficiente entra en juego la creatividad convertida en acción, a través de intervenciones e instalaciones, creando juegos estéticos sutiles que pasan desapercibidos dentro esta realidad extraña, casual y en muchas ocasiones sinsentido. Y tercero, cuando este tipo de intervenciones no son suficientes, entra en juego otro nivel más a través de la manipulación digital de las fotografías, añadiendo cierto tipo de pequeñas alteraciones sin gran importancia que pasan otra vez desapercibidas a simple vista, pero que terminan por determinar un mensaje continuo en la obra de Albdorf, una especie de invitación al placer de observar con ojos inocentes.

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Hace pocos días tuvo lugar en Madrid la apertura de un nuevo espacio cultural: Swinton & Grant, galería de arte, librería, cafetería y mucho más. Inauguraron el viernes 9 de mayo con la exposición "Le Mal du Pays" del artista urbano E1000, que se podrá visitar hasta mediados de junio.




En el número 21 de la calle Miguel Servet, en el madrileño barrio de Lavapiés, se dan cita la galería Swinton y la librería-cafetería Ciudadano Grant. Un amplio espacio de dos plantas que pretende ser lugar de encuentro para creadores de múltiples disciplinas. Swinton & Grant nace así con la ilusión de animar la escena cultural de Madrid, apoyando el arte urbano y otras tendencias gráficas con carácter innovador y arriesgado.

Para empezar, nos presentan la nostalgia por el lugar del que procede E1000, artista bien conocido por sus conceptuales intervenciones urbanas y su paleta de colores cálidos.



E1000 es una de las joyas de arte urbano mejor escondidas en las calles de Madrid. Muchas de sus obras pueden pasar desapercibidas para todos aquellos que no sean buenos observadores. Cierres, puertas, alcantarillas, barandillas o cualquier rincón es un buen lugar para desatar la poética del color. E1000 es un gran observador del tiempo, de cada detalle e imperfección de la naturaleza urbana, y le saca el mejor partido posible con sus formas geométricas y degradados de color.

En la galería virtual que E1000 tiene en Flickr podéis hacer un buen recorrido por su obra y apreciar como ha ido creciendo en tamaño y diversidad. Pero si queréis descubrir su último avance evolutivo os recomendamos que visitéis la extensa exposición individual que tiene en Swinton Gallery, de la cual os mostramos unas pocas fotos.

Tal y como está el panorama económico y cultural a nivel nacional y local, desde Belio celebramos la puesta en marcha de una iniciativa como Swinton & Grant. Les deseamos mucha suerte y larga vida.

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------------ E1000 — "Le Mal du Pays" ------------



















Aunque el tema de los drones es algo muy de actualidad, no es para nada nuevo, al menos para Bjoern Schuelke quién lleva explorando este concepto y el tema del espionaje y la vídeo-vigilancia en sus obras desde el año 2002, cuando empezó a construir su serie Drone. Esta no es la única obsesión temática del artista alemán, en su obra confluyen sus interés por la ciencia, la astronáutica, la tecnología y la música, dando como resultados híbridos robóticos de funciones básicas, pero con un refinado aspecto estético.



Construidas a base de fibra de vidrio, aluminio, madera, circuitos, paneles solares, motores, bombas de aire, sensores de movimiento, vídeo-cámaras y pantallas, las esculturas e instalaciones interactivas de Schuelke buscan el integrar al espectador en una especie de maquina absurda, tema clave en su obra, herencia del Dadaismo y la obra de Jean Tinguely, cuestionando así al espectador sobre su relación con la tecnología moderna.

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