La obra de José Manuel González es uno de los secretos mejor guardados de la abstracción geométrica actual en España. Su obra explora todos los ángulos de la geometría, la matemática y la tecnología y no para de crecer y evolucionar. Desde Belio llevamos tiempo siguiendo su carrera y en este video que ha hecho Pablo Quevedo (QUEBUE) podéis apreciar su interesante trabajo en vivo.



José Manuel González, vive y trabaja en Málaga, ciudad donde además de crear sus obras se dedica a la docencia impartiendo clases de dibujo a jóvenes estudiantes. Reconoce haber aprendido de mucha gente en su vida, empezando por su padre, y en muy variados lugares tales como la Escuela de Bellas Artes Eulogio Blasco de Cáceres, la Universidad Internacional de Andalucía, el CAAC, La Fundación Miró, el MediaLab-Prado, el CIEC... Ha sido galardonado con becas a la creación como la Francisco de Zurbarán de la Junta de Extremadura, la beca INICIARTE de la Junta de Andalucía, la beca Pilar Juncosa de la Fundación Miró de Palma de Mallorca, la beca OpenArt y la beca Art-Ex del Ministerio de Asuntos Exteriores del Gobierno Español.

La geometría, las matemáticas y su íntima interrelación con las formas de la naturaleza son algunos de los temas que más interesan a José Manuel. Es por ello que desde hace tiempo construye obras que se salen de la bidimensionalidad de la pintura para convertirse en esculturas, a veces máquinas, objetos con vida propia que cambian con el tiempo, que reaccionan, que se transforman. El arte cinético es un gran referente para él y las nuevas tecnologías de hardware y software libre le aportan las herramientas necesarias para crear piezas que se mueven, que interactúan, que cambian de color o generan sonidos, como los seres vivos, como la propia naturaleza.

Ver más


























Las obras de Ratur nos trasladan a una fantasía urbana, una especie de espejismo mágico contemporáneo donde los límites de la realidad se confunden con los de un sueño o una pesadilla. Tanto el tema de sus obras como su calidad plástica nos puede traer a la memoria la obra de Jean-Pierre Roy, a quien publicamos en el número 031 de Belio, pero su trabajo de calle lo vincula más a la escuela de graffiti hiperrealista de artistas como la Ma'Claim Crew o Man-o-Matic.



Ratur nació en Le Havre, Francia, en 1983. Se licencio en comunicación visual en 2004 en la universidad St Vincent de Paul en Le Havre. Desde 2010 ha expuesto su obra y ha participado en diversos festivales de arte urbano tanto en Europa como en EE.UU.

Bajo la influencia de técnicas clásicas de pintura al óleo e inspirado por la energía del graffiti, Ratur ha desarrollado un estilo dinámico, fusionando obra digital y virtuosismo técnico. En sus pinturas, las caras de los personajes nunca están a la vista. Aparecen explotando, fracturadas o representas en planos secuenciales que superponen su movimiento, preservando siempre el anonimato de los protagonistas. En cambio, las manos de cada figura son hábilmente retratadas y nos expresan toda la intención de cada personaje.

Ver más






















Un caballero espacial venido de un tiempo y una dimensión desconocidas, con su brillante armadura recubriendo sus huesos y una pecera donde flota su calavera por cabeza. Pistolas láser y espadas medievales son sus armas. En lugar de cabalgar ha descendido de su platillo volante, que ha dejado en órbita, para cumplir su misión: matar un mitológico dios robótico y salvar a su princesa sideral.




Ian Bederman también conocido como Wonkytiger es un joven tatuador e ilustrador de Austin, Texas. Su estilo mezcla vieja escuela y cultura pop con temas que abordan la fantasía y la ciencia ficción retro. Con influencias del mundo del comic (Jack Kirby o Neil Gaiman entre otros) y clásicos del cine como Barbarella, The Day the Earth Stood Still, Earth vs. the Flying Saucers o Star Wars.

Ver más






















Todo proceso de creación es un proceso meditativo, un medio mediante el cual el artista, consciente o inconscientemente, consigue una intensa concentración y una absorción completa de su atención. El tiempo y el espacio desaparecen entonces. Algo parecido ocurre también haciendo punto o tejiendo. La artista y diseñadora de moda Zoe Gilbertson debe saberlo muy bien. Su obra fusiona la delicadeza del punto con el diseño gráfico hecho por ordenador, el arte abstracto y la interpretación de los sentimientos a través de los colores.




Nacida en Londres, Zoe creció en Newcastle. Se licenció en Artes de la Moda en la UCA (Universidad de Artes Creativas), en Epsom. Después se fue a Alemania donde diseñó ropa para atletas de renombre internacional con Adidas. Algún tiempo después, de vuelta en Reino Unido, Zoe se fascinó con el bordado. Después de años de experimentación y práctica, Zoe ahora crea obras de arte abstracto mediante la fusión del bordado a mano con lo digital.

El punto de aguja es el medio que utiliza actualmente. Ella encuentra una feliz sinergia entre la naturaleza geométrica de la tela y diseños que evolucionan para convertirse en píxeles digitales o puntadas de hilo. Zoe cambia constantemente entre ambos según explora colores y formas y empuja así los límites de bordado contemporáneo.

Ver más






















Astronautas, aliens e iconografía religiosa. Esto es todo lo que necesitamos para amar la obra de Jason Hernández. Este artista e ilustrador americano con apellido español y estilo ruso ortodoxo crea una mezcla perfecta entre ciencia ficción y arte místico con toneladas de oro.



Jason Hernández estudió ilustración en el Art Center College of Design en Pasadena, California, donde obtuvo su licenciatura en Bellas Artes. Hernández es actualmente un artista independiente al mismo tiempo que enseña diseño gráfico en Marina del Rey California.

Algunas de estas obras son de su último esposición A Miraculous Voyage que tuvo lugar hace unos meses en la Cave Gallery en Venice, California. Mañana, 8 de julio se inaugura su nueva exposición Celestial Comfort en Arch Enemy Art en Filadelfia. La exposición permanecerá abierta hasta el 30 de julio y allí no podremos descubrir sus nuevas obras, un pequeño paso más para él, un gran salto para...

Ver más






















Evocar antes que retratar. Crear antes que definir. Imaginar antes que describir. Colores, manchas, imperfecciones, formas geométricas, abstractas, independientemente de su soporte pero en un constante dialogo con él. Así son las obras del artista Jeroen Erosie.



Desde el graffiti al collage, desde la ilustración a la tipografía, Jeroen explora todas las disciplinas para expresar sus pensamientos, dudas y experiencias al mismo tiempo que mantiene una constante evolución de su expresión visual. Su trabajo parece ser un fiel reflejo del progreso continuo que experimenta su pensamiento, buscando la fricción entre enfoques intuitivos y marcos conceptuales dentro de su trabajo creativo.

Ver más






















Las noches de verano con sus mantos de estrellas son perfecto complemento para contar historias junto a un fuego… Nuestras historias favoritas son aquellas acerca de eventos sobrenaturales, protagonizadas por alienígenas, espíritus, seres mágicos, almas perdidas o la mismísima muerte en persona. También nos gusta inventar historias, aunque para ello necesitamos algo con lo que comenzar, y para ello nada mejor que las ilustraciones de Brian Luong.



Las obras de Luong se encuentran dentro del género fantástico, con influencia del cómic y el poster-art. Su estilo juega siempre con una paleta limitada de colores y en muchas ocasiones directamente blanco y negro, textura, así como un inteligente y delicado uso de la luz y las sombras, a través de las cuales añade el misterio necesario a imágenes ya de por si paranormales. Aunque su inspiración proviene directamente “de paisajes y elementos de la naturaleza”, tal y como comenta Brian. Quizás deberías esperarte hasta que sea luna llena para disfrutar de estás ilustraciones en su mejor contexto.

Ver más
























¿Cuántas veces nos decimos que necesitamos una escapada? Ya sean unas vacaciones, echarse un sueño largo y reparador o directamente escapar de la realidad. Este tema, el escapismo romántico, quizás sea el más recurrente en nuestro ánimo por difundir arte y creación visual (también audiovisual). En nuestra búsqueda de paisajes a donde lanzar nuestras líneas de fuga hoy hemos llegado hasta las geniales fotografías del finlandés Mikko Lagerstedt.



Mikko decidió su futuro como fotógrafo, o cazador de sueños, cuando alrededor de 2008 “estaba conduciendo una tarde verano, iba de camino a una cabaña de mi familia. Tras un día de lluvia, el sol comenzó a brillar y la niebla se estaba elevando sobre el campo. Tuve que parar y ponerme a observar este increíble momento, entonces fue cuando me di cuenta que quería capturar este tipo de instantes.” A partir de aquí su carrera ha ido in crescendo, no solo perfeccionando su técnica y educando su sensibilidad, también en cuanto a su popularidad como artista. El mensaje nos llega claro: Soñar con los ojos abiertos es posible.

Ver más
























Pocas veces dedicamos un reportaje a creadores de tipografías o letterings, el cual es un area creativa apasionante… en ocasiones demasiado técnica, si lo que buscamos es la letra perfecta (diseños serios que buscan la mejor legibilidad), pero también salvaje y artística si lo que buscamos es experimentar rompiendo normas. Este lado más ilegible es el que nos interesa en Belio. ¿Hasta donde podemos retorcer las rígidas estructuras de la tipografía? El diseñador húngaro Peter Vajda está explorando estas mismas cuestiones a través de su proyecto Typeflash.



Sobre estas líneas puedes ver el resultado de la aplicación online que Vajda ha desarrollado en su web, donde puedes escribir tu texto, probar sus distintas tipografías y cambiar muchos de sus parámetros. ¡Ah! Y por supuesto exportarlo para su posterior uso. A Peter lo que le obsesiona son los módulos, a través de los cuales puede componer letras, desde el clásico pixel hasta las infinitas posibilidades de la línea, el punto y sus versiones tridimensionales como cubos y cápsulas. En este caso no se trata de hacer la “mejor tipo” sino de crear bastardos originales con personalidad.

Ver más
























Estamos en esa época del año en que nuestra mente quiere escapar, antes incluso de que nuestro cuerpo sea capaz de reaccionar. Sí, vacaciones, viajes, relax y paraísos que se encuentran en este planeta. Pero para el alma creativa y el espíritu consciente la mezcla de estos términos puede tener un significado distinto: Las vacaciones son atemporales, los viajes se pueden realizar sin salir de una habitación, el relax es una puerta a otro tipo de acción y el paraíso esta en otro plano de la realidad. El arte, la meditación y el yoga se funden en uno… Bienvenido a See Pala.



See Pala no es un lugar (al menos real), tampoco un objeto (todavía), ni siquiera una historia (completa) y al mismo tiempo ya es todo eso y más, es una creación que se está gestando en las mentes y manos de Emmie Rae, escritora, poeta y profesora de yoga, y Aldous Massie, artista, ilustrador y diseñador gráfico.

Como comentábamos, See Pala de momento sólo es una web y un prólogo, pero también es una promesa de colección con las historias de siete mujeres y su encuentro con una Diosa. En nuestra opinión esta interesante mezcla de comic mudo, ilustraciones y mística está pidiendo su edición en formato libro, objeto, real… ¿Quizás un futuro crowdfunding? Sea como sea, este prólogo nos permite dejar volar nuestra imaginación, mientras esperamos a nuestro personal encuentro con una Diosa.

Ver más


























La luz es quizás el bien más preciado de la vida, sin ella, sin el Sol todo lo que conocemos desaparecía en la fría oscuridad. No se trata solo del calor, también de la reflexión sobre los cuerpos que nos permite percibir las tres dimensiones a través de la vista, así como su desfragmentación en colores que nos ofrece una experiencia expresionista de la naturaleza. La mejor manera de capturar y representar la luz es a su vez en un ente tridimensional, una escultura, y en un material como el cristal.



Peter Szabo es precisamente un artista de Budapest, Hungria, capaz de elevar la luz en conjunción con el cristal a la más refinada categoría del arte. Su trabajo consiste dar forma al cristal, cortar, pulir y ensamblarlo de forma que la luz quede captura en maravillosas composiciones geométricas que van más allá de las tres dimensiones conocidas. Su universo gira en torno a cubos, planos virtuales y reflexiones de espejo, obras en las que perderse, literalmente.

Ver más
























Pocas galerías hay en Berlín que encarnen la modernidad, la contemporaneidad, el buen gusto y la sutileza como lo hace König Galerie, y que demuestra con cada exposición que realizan, como sus recientemente inauguradas Towards Universal Pattern Recognition de Jeremy Shaw y Radical Relaxation de Jorinde Voigt, de la que os queremos hablar hoy.



La artista alemana Jorinde Voigt es capaz de unir en su obra ciencia, surrealismo, sensualidad y abstracción de forma totalmente armónica. Desde el año 2000 aproximadamente, Voigt ha ido desarrollando “un sistema gráfico muy peculiar para la visualización de estudios experimentales, experiencias de la realidad, pensamientos, impresiones sensoriales, escritos filosóficos y música – un sistema que está desarrollando y expandiendo continuamente a través de la adición de nuevos elementos.

El montaje de Radical Relaxation, su más reciente exposición, contrapone un interesante diálogo entre lo orgánico, la obra de Jorinde, y la arquitectura de König Galerie, una exploración que va del exterior al interior, a la esencia creativa que Voigt sabe capturar en cada una de sus obras, el perfecto equilibrio entre el estudio técnico y el libre albedrío. La muestra se puede visitar hasta el día 24 de Julio.

Ver más
























Para nosotros, devoradores de cultura visual, la esencia de nuestra alimentación es el contenido sin importar su origen o justificación, siempre y cuando sea 100% original, es decir, propiedad de su creador. Los medios y la técnica es al final algo secundario, si la imagen y su mensaje llega al puerto adecuado. Entre los muchos puertos de Belio tenemos uno dedicado a lo extraño pero real, o viceversa, y aquí es a donde ha llegado la obra Piotr Rymer, un artista multimedia nacido en Polonia en 1984.



A pesar de estar graduado en la Academia de Bellas Artes de Poznań en diseño gráfico, los diversos premios recibidos (Grand Prix Fotofestival, Screen & Sound Fest., Market Art Festival y diversos Behance Awards), las exposiciones realizadas con la Galeria Rekursja, la Kulczyk Collection o la Galeria EndProjekt, los varios shows de visuales en directo y colaboraciones para .PSD Magazine y Sezon Mag… Al final nos queda un mundo virtual para contemplar como real.



Gloriosos residuos bidireccionales entre lo real, principalmente fotografía y vídeo, y lo artificial, básicamente CGI y 3D, que nos hacen cuestionar la credibilidad de lo que vemos, todo ello rodeado de un sentido extraño, como si de otro sueño se tratara… ¿Era real o lo hemos soñado? Como decíamos al principio ¿Acaso importa?

Ver más
























Si la música es parte de la esencia de Belio, en el caso del estudio Rainbow no se trata sólo de esencia, es su sangre, su razón de ser, existir y crear. Este estudio creativo alemán compuesto por Falk Schwalbe y Hannes Hirche se ha especializado en el diseño y producción de poster para conciertos. Pero no cualquier poster, su trabajo se sitúa entre los límites del diseño gráfico y la producción artística, sus obras son trabajos compuestos a mano (sin intervención de ordenadores) a base de capas que ellos mismos imprimen en serigrafía.



Este aspecto orgánico y artesano y el uso de la serigrafía está vinculado al Gig-posters, un pseudo-género artístico que floreció junto a la escena músical de los 60s y los 70s, principalmente amparado por el rock y la psicodelia. Muchos de esos posters son objeto de culto y coleccionismo, y se exhiben como obras de arte que trascienden su valor publicitario. Los posters de Rainbow recuperan en todo su esplendor ese aspecto artístico, mezclando tradición con nuevas ideas, un estilo actual y nombres tan destacados en el panorama musical contemporáneo como Hauschka, Tame Impala, Tocotronic, Future Islands, Austra, Nada Surf, Jethro Tull, Dan Deacon… y así hasta completar un cartel de ensueño que trasciende cualquier fecha.

Ver más


























El proceso se ha completado con éxito.



Ver más



Allí trabajamos y creamos.
Allí desafiamos los límites y crecimos.
Aprendimos que lo bueno nunca es sencillo
y que no hay más suerte que la que tú creas.
Toda lágrima y todo esfuerzo,
todo amor y toda fortuna,
quedan en el pasado.
Sin pena y con toda gloria
te agradecemos todo lo vivido,
honramos todo el éxito albergado
y nos despedimos de corazón.
Buen viaje eterno a esta nave,
nuestra Nebuchadnezzar.
Ahora seguimos luchando.
Ahora continuamos creando.
Ahora reanudamos nuestra odisea.
Nada muere, todo evoluciona.

En ocasiones hay que abandonar el individualismo para abrazar la belleza industrial, modular, reproductive y económica. Los 60s y 70s nos dejaron el Brutalismo en arquitectura, el Expresionismo Abstracto en pintura e impresionantes esculturas como los famosos monumentos socialistas de la Ex-Yugoslavia… En ese mismo espectro estético nos encontramos ahora con la obra actual del canadiense David Umemoto, artista, escultor, licenciado en arquitectura y responsable de proyectos donde combina diseño, arte y arquitectura a partes iguales.



Aunque sus obras podrían parecer meras reproducciones a escala de un pasado gris y geométrico, su concepto va un poco más allá de combinar distintos módulos para generar una obra mayor. Umemoto ha creado una serie de estrictas normas bajo las cuales desarrolla su trabajo, lo más importante es que cada nueva obra sea capaz de integrar o reciclar las anteriores producidas. De esta forma se establece una obra surreal e infinita, como un puzzle inacabado que al mismo tiempo recrea la idea universal de micro / macro universos y las normas que lo rigen.

Ver más




























El diseño gráfico no es arte, punto. Pero entonces qué sucede con todos esos creativos al servicio de un cliente que no pueden contener sus ideas, sus sueños gráficos, aquellos que no se ajustan a las necesidades del producto / servicio a vender… Son los experimentos que en el fondo llenan el alma del artista bajo la piel del diseñador. Y además son esos experimentos los que a la larga van a llamar la atención. Mariano Pascual se define 100% como diseñador gráfico e ilustrador, pero son precisamente sus imágenes sin cliente las que le han merecido un lugar aquí y en muchas otras publicaciones de arte y diseño.



Original de Argentina y actualmente afincado en Barcelona, Pascual ha desarrollado un estilo pop, colorido, naive y post-moderno en cierto modo, sus obras tienen ese aire clásico que tan de moda está en los gráficos de este último año, es decir, colores planos, texturas, elementos arquitectónicos, fluidos, etc. Y aunque su camino está enmarcado vectores y tipografías, a Mariano le interesa trascender disciplinas y mira a la fotografía, la moda y el arte como destinos futuros con los que engendrar híbridos. De momento aquí puedes ver algunas de sus más recientes obras, de la serie Ghost Army.

Ver más






















Hay cierto placer meditativo en el dibujo a mano de carácter geométrico y detallista, es un camino que va de la sencillez a la complejidad que conlleva la desaparición del tiempo empleado en el proceso. Horas, días, semanas… Cuanto más largo es el viaje, más profundo es el resultado. Pero todo a su debido momento, comenzando con la preparación de la superficie, el dibujo lineal, la selección de color y terminando por un meticuloso proceso para desvelar una arquitectura invisible. Y así mismo el tiempo también desaparece cuando contemplamos una de las obras de Jacob van Loon.



La obra de este norteamericano afincado en DeKalb, Illinois, ha ido evolucionando siguiendo la lógica deconstrucción de la realidad figurada, lo que antes eran habitaciones y espacios arquitectónicos isométricos han dejado paso a espacios infinitos dentro de la abstracción geométrica y cromática que explora con cada uno de sus cuadros. Jacob se educó en dibujo, ilustración y diseño gráfico, desde 2009 ha expuesto en galerías y museos tanto en Estados Unidos como en Europa, y su más reciente trabajo comisionado fue la creación del artwork de The Wilderness (LP, 2016) para Explosions in the Sky.


Detalle.

Aparte de la selección de obras y detalles aquí recopilados, os recomendamos echarle un vistazo a mayor tamaño directamente en su web: www.jacobvanloon.com o en su perfil en Behance.

Ver más








Detalle.














2016-04-26 : REUBEN WU, Lux Noctis

A pesar de que Reuben Wu ya tuvo hace tiempo su reportaje en nuestra página, y de que quizás hayas visto y leído ya sobre su más reciente serie, Lux Noctis, en Belio no nos hemos podido resistir a comentarlo y compartirlo con nuestros lectores. ¿Por qué?



Sencillamente porque Lux Noctis combina en su ADN muchas de las cosas que más amamos en Belio: Fotografía, viajes, exploraciones, naturaleza, paisajes, tecnología, ciencia ficción, realismo mágico… Las fotografías que componen esta serie son una combinación de largas exposiciones y el uso del light-painting (la técnica de pintar con luz en la oscuridad), llevado a un extremo dimensional nunca antes visto. Como bien explican en el siguiente vídeo, esto ha sido posible gracias al desarrollo y evolución de cámaras digitales de alta sensibilidad, potentes antorchas con LEDS y drones.



Aparte de su lado músical, miembro de Ladytron, Wu es conocido por sus geniales vídeos y fotografías de paisajes remotos sobre los que ya hablamos en otra ocasión. En Lux Noctis quizás nosotros vemos más de lo que realmente hay, pero ya solo con las partes iluminadas por Reuben tenemos un marco perfecto para observar nuestro entorno, el planeta Tierra, con otros ojos, como si se tratará de un paisaje alucinante de otra galaxia. Solo esto debería servir para plantear una reflexión sobre nuestro afortunado paso por este mundo.

Ver más
















La literatura y por extensión su contenedor por excelencia, el libro, son realmente puertas a otra dimensión. Cada vez que una persona entra dentro de uno, entra a la vez dentro de la mente del escritor, otro universo que cobra vida. Ahora imagínate una biblioteca o una librería, con todo esos universos uno al lado de otro. Si pudiéramos visualizar la multidimensionalidad de este pensamiento solo podría ser una obra de Guillaume Lachapelle.



Y al mismo tiempo las obras de Lachapelle son objetos, como los libros, que contienen otras dimensiones. Instalaciones infinitas creadas a base de esculturas impresas en 3D y distintos juegos de luces y espejos. El resultado son mundos en miniatura que reflejan el nuestro de forma poética, especialmente su arquitectura y paisaje urbano, también espacios interiores, y en ocasiones bibliotecas. Guillaume es artista, se graduó en artes visuales en la UQAM, pero en realidad se aspira a ser Arquitecto. No aquel profesional que proyecta edificios, sino El que crea nuevas dimensiones.

Ver más


























< anterior
1 | 2 | 3 | 4 | 5 | 6 | 7 | 8 | 9 siguiente >