El diseño gráfico no es arte, punto. Pero entonces qué sucede con todos esos creativos al servicio de un cliente que no pueden contener sus ideas, sus sueños gráficos, aquellos que no se ajustan a las necesidades del producto / servicio a vender… Son los experimentos que en el fondo llenan el alma del artista bajo la piel del diseñador. Y además son esos experimentos los que a la larga van a llamar la atención. Mariano Pascual se define 100% como diseñador gráfico e ilustrador, pero son precisamente sus imágenes sin cliente las que le han merecido un lugar aquí y en muchas otras publicaciones de arte y diseño.



Original de Argentina y actualmente afincado en Barcelona, Pascual ha desarrollado un estilo pop, colorido, naive y post-moderno en cierto modo, sus obras tienen ese aire clásico que tan de moda está en los gráficos de este último año, es decir, colores planos, texturas, elementos arquitectónicos, fluidos, etc. Y aunque su camino está enmarcado vectores y tipografías, a Mariano le interesa trascender disciplinas y mira a la fotografía, la moda y el arte como destinos futuros con los que engendrar híbridos. De momento aquí puedes ver algunas de sus más recientes obras, de la serie Ghost Army.

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Hay cierto placer meditativo en el dibujo a mano de carácter geométrico y detallista, es un camino que va de la sencillez a la complejidad que conlleva la desaparición del tiempo empleado en el proceso. Horas, días, semanas… Cuanto más largo es el viaje, más profundo es el resultado. Pero todo a su debido momento, comenzando con la preparación de la superficie, el dibujo lineal, la selección de color y terminando por un meticuloso proceso para desvelar una arquitectura invisible. Y así mismo el tiempo también desaparece cuando contemplamos una de las obras de Jacob van Loon.



La obra de este norteamericano afincado en DeKalb, Illinois, ha ido evolucionando siguiendo la lógica deconstrucción de la realidad figurada, lo que antes eran habitaciones y espacios arquitectónicos isométricos han dejado paso a espacios infinitos dentro de la abstracción geométrica y cromática que explora con cada uno de sus cuadros. Jacob se educó en dibujo, ilustración y diseño gráfico, desde 2009 ha expuesto en galerías y museos tanto en Estados Unidos como en Europa, y su más reciente trabajo comisionado fue la creación del artwork de The Wilderness (LP, 2016) para Explosions in the Sky.


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Aparte de la selección de obras y detalles aquí recopilados, os recomendamos echarle un vistazo a mayor tamaño directamente en su web: www.jacobvanloon.com o en su perfil en Behance.

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Detalle.














2016-04-26 : REUBEN WU, Lux Noctis

A pesar de que Reuben Wu ya tuvo hace tiempo su reportaje en nuestra página, y de que quizás hayas visto y leído ya sobre su más reciente serie, Lux Noctis, en Belio no nos hemos podido resistir a comentarlo y compartirlo con nuestros lectores. ¿Por qué?



Sencillamente porque Lux Noctis combina en su ADN muchas de las cosas que más amamos en Belio: Fotografía, viajes, exploraciones, naturaleza, paisajes, tecnología, ciencia ficción, realismo mágico… Las fotografías que componen esta serie son una combinación de largas exposiciones y el uso del light-painting (la técnica de pintar con luz en la oscuridad), llevado a un extremo dimensional nunca antes visto. Como bien explican en el siguiente vídeo, esto ha sido posible gracias al desarrollo y evolución de cámaras digitales de alta sensibilidad, potentes antorchas con LEDS y drones.



Aparte de su lado músical, miembro de Ladytron, Wu es conocido por sus geniales vídeos y fotografías de paisajes remotos sobre los que ya hablamos en otra ocasión. En Lux Noctis quizás nosotros vemos más de lo que realmente hay, pero ya solo con las partes iluminadas por Reuben tenemos un marco perfecto para observar nuestro entorno, el planeta Tierra, con otros ojos, como si se tratará de un paisaje alucinante de otra galaxia. Solo esto debería servir para plantear una reflexión sobre nuestro afortunado paso por este mundo.

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La literatura y por extensión su contenedor por excelencia, el libro, son realmente puertas a otra dimensión. Cada vez que una persona entra dentro de uno, entra a la vez dentro de la mente del escritor, otro universo que cobra vida. Ahora imagínate una biblioteca o una librería, con todo esos universos uno al lado de otro. Si pudiéramos visualizar la multidimensionalidad de este pensamiento solo podría ser una obra de Guillaume Lachapelle.



Y al mismo tiempo las obras de Lachapelle son objetos, como los libros, que contienen otras dimensiones. Instalaciones infinitas creadas a base de esculturas impresas en 3D y distintos juegos de luces y espejos. El resultado son mundos en miniatura que reflejan el nuestro de forma poética, especialmente su arquitectura y paisaje urbano, también espacios interiores, y en ocasiones bibliotecas. Guillaume es artista, se graduó en artes visuales en la UQAM, pero en realidad se aspira a ser Arquitecto. No aquel profesional que proyecta edificios, sino El que crea nuevas dimensiones.

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Una y otra vez, todo gira, todo vuelve al punto de inicio, vuelve a empezar, vuelve a terminar, pasan los días y todo el ciclo se repite. En nuestra mente parece que no hay otra alternativa y ante el inevitable devenir del loop quedan solo dos opciones personales: Aceptarlo con resignación o hacer de ello una estrategia de escape, porque dentro de la maldición también se encuentra la salvación. Haz de la infinita repetición un mantra, concentrate en él y... trasciende el tiempo.

Los gifs animados son una representación visual en miniatura de ese patrón que se repite a todas escalas y dimensiones. En los últimos años se han convertido en un género artístico en si mismo y en varias ocasiones os hemos presentado aquellos artistas que más llaman nuestra atención. Hoy es el turno de Protobacilus.



Gustavo Spredemann y Leone Simonetti son dos amigos y artistas visuales de Brasil, juntos crearon Protobacilus inspirado en el mundo microscópico que nos rodea y como vía de escape a su rutina. “Protobacillus es y será siempre un medio para nuestro propio placer. Es una manera de relajar nuestras mentes creativas y dar salida a cosas preciosas que surgen en el proceso.” declaran en su página de Patreon, donde puedes apoyar sus desvaríos alucinógenos a cambio de material exclusivo. Lo bueno es que también nos sirve a los demás, creativos o no, a relajar nuestras mentes y olvidar que estamos dentro de este loop eterno.

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A veces somos una sombra y en otras un ser iluminado, de ambas formas somos ese eterno viajero, anónimo, solitario, aventurero. Podemos ir a iluminar los rincones más oscuros dentro de nuestra mente, podemos descubrir lugares que se encuentran más allá de nuestra realidad, en una galaxia lejana dentro de nosotros mismos, y es que al final de ese viaje el destino es un espejo, una replica de nosotros a distintas escalas. Lo mismo sucede en el arte, las obras de un creador son una y otra vez capturas de su viaje interior. Hoy vamos a visitar el universo de Oska.



Oska es el nombre de guerra del ilustrador y diseñador gráfico Gabriel Levesque, un joven creativo de Montreal, Canada. Con un muy pequeño margen de error podríamos afirmar que Gabriel es un gran fan de la ciencia ficción, de sus clásicos estéticos, tanto en cine como en literatura, sus posters y sus portadas, respectivamente. Sus obras no están llenas de androides, ni alienígenas, todo lo contrario, están desiertas, sus arquitecturas abstractas están enteras a disposición del espectador, reflejado en esa sombra, luminosa o no, que las protagoniza. ¡Bienvenido a tu interior!

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Hay muchos tipos de amor y pasiones, aquellas que se combinan con un sentimiento de nostalgia son las que han generado términos como vintage y old-school, y toda una cultura de culto a otras épocas que incluye no solo el coleccionismo, también la recreación y rediseño siguiendo unos standards estéticos de otras épocas, en ocasiones incluso mezclando épocas tan distantes como los 80s y los 50s. Por ejemplo, ¿te imaginas una consola de videojuegos en versión caja de madera? Pues es lo que Love Hultèn hace realidad.



Quizás hayas visto en internet su famoso Pixel Vision, el cual fue blogeado hasta el infinito. Hultèn es un diseñador y artista con base en Göteborg, Suecia, cuya especialidad es este tipo de fusión retro-tecnológica, creando estos preciosos objetos de deseo en pequeñas series limitadas, sino como piezas únicas. Sus precios rondan entre los cuatrocientos y los cuatromil euros, pero son garantía de un trabajo fino, artesano y exclusivo con los mejores materiales que puede conseguir de forma local.



Sobre estas líneas puedes ver su más reciente creación: Echo Observatory una preciosa tentación para todos los amantes de los fractales y los vídeo-sintetizadores. El acabado final en madera y dorados le da un aspecto casi steampunk, como si fuera una maquina de una realidad paralela. Esto, junto a su fijación con los vídeo-juegos ochenteros y los coqueteos con Lego, recreando a tamaño real sus artilugios, convierten a Love Hultèn en centro de los sueños consumista de todo geek.

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Hay estilos gráficos que nunca pasan de moda, de hecho nunca se trata de ser tendencia, sino de ser fiel a uno mismo… Y el público, tu público te encuentra. En el caso del ilustrador australiano Andrew Fairclough, su estilo bebe directamente de los cómics y la publicidad de los años 50s, con esas tramas gordas y tintas planas tan características. Lo atemporal de su trabajo no depende del estilo, sino de su gran talento.



Andrew lleva desde 2004 creando marca como Kindred Studio, sobre todo ganándose una buena reputación gracias a sus ilustraciones y sus diseños para clientes como Billabong, Mr Black, publicaciones como GQ Magazine, The Clerkenwell Post, ESPN Magazine y The Globe & Mail, o el grupo de música Art Vs Science, entre otros. También tiene una buena colección de serigrafías a la venta a través de su tienda online, no incluye crece-pelos, ni milagrosos licores, pero quién necesita de eso cuando tiene estilo.

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Algunas personas, especialmente aquellas creativas, y muy especialmente los artistas multidisciplinares, se sienten alienígenas sobre este planeta. Son individuos con una misión terrestre: trascender barreras, hacer posible lo irreal, todo aquello que su imaginación proyecta. El resultado suelen ser piezas marcianas, híbridos de distintos lenguajes como las obras de Tsaworks, venido a este planeta y este tiempo como Martin Böttger, residente y agitador de neuronas artísticas en Berlin.



Böttger es otro de esos héroes con capacidad para tocar cualquier area con talento, sus proyectos incluyen esculturas, vídeos, performances, instalaciones, mapping, animación 3D, música… Todo ello bajo ese prisma de estilo propio de otro planeta, entre la abstracción, la geometría, lo virtual y lo electrónico, fruto de sus estudios en Comunicación Visual y Nuevos Medios en la School of Arts and Design de Kassel, así como su postgrado y doctorado siempre en conexión con las artes visuales y las ciencias aplicadas. Entre otros ha colaborado con el sello Brainfeeder, productores de música electrónica como Kid 606, Max Cooper, Patric Catani y Chris Clark, y festivales como OneDotZero, Cluster, Resonate y ARS Electronica.



Su más reciente creación lleva por título Vyger, una serie de esculturas que “tratan sobre el futuro de los seres humanos en relación con los implantes médicos y las mutaciones a través de la tecnología, una distopía imaginada”. Se presentó y estuvo expuesta en la Gallery 3Ringe de Leipzig hasta el pasado 12 de Marzo, y el próximo día 1 de Abril se presenta en Platoon Kunsthalle en Berlin.

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Sentimos un profundo respeto por las tradiciones y religiones, todas ellas, y todas en su estado original, es decir: la espiritualidad. Y a pesar de la inevitable digitalización y virtualización de la cultura, el arte más tribal, tradicional y ritual resucita cada año, como si fuera una celebración de vida y muerte. En cada vuelta alrededor del Sol las culturas se mezclan un poco más, e incluso el arte indígena en vías de extinción es retomado por nuevos creadores que mezclan moda, máscaras, escultura, fotografía, instalaciones, land art… así es y así lo hace Karolina Daria Flora.



Lo que para una persona es simple artesanía, para otra es arte sagrado y para otra una técnica para expresarse. Karolina lleva más de diez años combinando trabajos de moda, estilismo y creación de disfraces con muy distintos propósitos, desde fiestas de carnaval a performance artísticas, obras de teatro y películas. Su mezcla de estilos y disciplinas, así como su pasión por lo indígena y lo artesanal tiene un innegable estilo islandés. Podríamos imaginarnos perfecta a Björk bajo una de sus creaciones. Pero sobre todo lo que respira la obra de Daria Flora es libertad y amor, pero no en esa versión hippie-pop que todos conocemos, sino de forma honesta: libertad para crear sin límites y amor en todos los detalles.

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El secreto de un buen gráfico es una mezcla a partes iguales de talento, destreza, estilo y conocimiento… Bueno, y quizás también algunas dotes mágicas, conjuros y hechizos. El artista que os presentamos hoy probablemente tiene su propio manual secreto para las buenas artes en ilustración de inspiración old-school. Cae González huele a misterio, poco sabemos de él o de su historia, tan solo su origen mexicano de pura cepa.



Pero en Belio nos encanta no saber nada de aquellos artistas que vamos descubriendo, nos permite ver con distancia e imaginar otras historias que rodean sus obras. Su estilo es una mezcla de tatuaje tradicional con toques mágicos, rollo rockero, calaveras y ese aire festivo asociado a la muerte tan propio de México. Sus proyectos más interesantes son propuestas personales que están pidiendo a gritos una oportunidad para ser impresos, ya sea en forma de poster, camiseta, portada de disco o directamente grabado sobre la piel para el resto de la vida como tatuaje.

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Lo tiene todo, Denial Of Service es una encarnación digital que combina todas aquellas cosas que nos fascinan: El error como virtud, la estética del glitch, un uso experimental e inteligente del 3D, los fractales, el vídeo sintetizador Rutt Etra e incluso técnicas más recientes como el DeepDream (imágenes soñadas por una máquina lisérgica), aparte de extender sus habilidades no solo como productor de vídeo, también como artista de visuales, músico y diseñador de sonido. Todo ello perfectamente integrado en un conjunto distópico.



No hay duda que la estética glitch y sus derivados han sido y continúan siendo una clara tendencia en las artes visuales. El problema de las modas es que muchos son los que se apuntan a ellas, desvirtuando y vaciando de significado y sentido su esencia, y muy pocos son los que de verdad consiguen un estilo propio, donde el artista es quién domina la técnica, donde cada obra es una genial combinación de estilo, sin efectismo superfluos. Denial Of Service es uno de estos pocos que año tras año, vídeo a vídeo ha ido demostrando su maestría del error.



Este es uno de sus más recientes trabajos videográficos para el proyecto “Kore Kosmou” de Ariel Electron, Holeg Spies y Thierry Gotti. Uno más dentro de una larga lista de vídeos (que hemos ido publicado en nuestra página a lo largo de los últimos años) y colaboraciones con David Bowie, Gabi Delgado (DAF), Extrawelt, QEBO y Detroit Underground, entre otros. Aparte de producir su propia música. Como decíamos… Lo tiene todo para gustarnos tanto.

¡Ah! Y por supuesto, no dejes de hacer una visita a su perfil en Vimeo donde puedes volver a ver todos vídeos.

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El cómic y los videojuegos suelen encontrarse en los márgenes de los temas que tocamos en Belio, pero una mente creativa no se nutre única y exclusivamente de su propio género, su propia disciplina. Una mente endogámica termina produciendo clones en lugar de obras. Por eso nos gusta prestar atención a todo tipo de temas, ya sea música, literatura, cine, moda, teatro o cómics y videojuegos. Los tiempos que corren están marcados por el carácter híbrido de las artes, por ejemplo el diseño de caracteres es un arte en si mismo que combina ilustración y moda, y es la base para animaciones, películas de cine y cómics.



Hace tiempo que seguimos el trabajo del concept artist Barcelonés Sergi Brosa, con especial atención a su trabajo más personal: Fury Beats, un proyecto en colaboración con su amigo y también artista Jean Paul Egred, que incluye el desarrollo de un videojuego y la fabricación de sus caracteres como vinyl toys. Su estética se podría definir como una versión pop-urbana y colorida de Mad Max. Para llevar a buen puerto este proyecto Sergi ha creado un perfil en Patreon en busca de mecenas.

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No cabe duda que la naturaleza es una creación asombrosa, el ser humano, como parte de esa naturaleza, es además doblemente fascinante por su capacidad creadora. Una creación dentro de otra, solo que la “naturaleza” que el ser humano está extendiendo es anti-natura, industrial y gris, pero no por ello falta de cierta belleza. Ciudades, autopistas, vehículos de todo tipo… Ya en su época el Futurismo cayó rendido a los conceptos de velocidad, máquina y arquitectura industrial. En las revoluciones del ser humano todo atiende a una cuestión de tiempo, de velocidad, ya sea en la transmisión de datos o en el desplazamiento de un lugar a otro.



La obra del artista austriaco Clemens Fürtler retoma este mismo viaje. Empezando por sus pinturas, de 1989 hasta 2005, reflejando distintos países y lugares similares, grandes autopistas y horizontes dominados por el asfalto, hasta sus más actual serie Bildmaschinen que incluye la creación de grandes maquetas (instalaciones cinéticas) que recrean a escala un infinito fluir de vehículos que recorren autopistas o railes dispuestos de forma armónica. Este juego de movimiento, luces y sombras son la base de sus fotografías, polaroids, pinturas y vídeos.



Sobre estás líneas puedes ver su más actual y ambiciosa instalación, Bildmaschine 07 que se inaugura hoy en Kunsthalle Bratislava, y estará expuesta hasta el 24 de Abril de 2016. Y en el siguiente enlace: Bildmaschine 01, podéis ver el hipnótico viaje de su primera máquina. La universalidad de la arquitectura del viaje: las estructuras, las vías, los puentes, los tendidos eléctricos, etc. Nos trasmiten una sensación de no-lugar, un placentero viaje infinito sin destino.

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Hay temas que abordamos una y otra vez, desde todos los ángulos y con distintas perspectivas, la muy personal de cada artista. Como buenos hijos de la era digital, el pixel y el glitch son para Belio materia prima inagotable y fuente de inspiración. También la tendencia hacia la abstracción y la experimentación, que nos hace volver a indagar en la obra menos comercial de diseñadores y programadores de día, que se transforman en artistas visuales de noche, como Greg Stedman.



Stedman estudió artes gráficas, ilustración y teoría de la cultura visual, para terminar trabajando en la actualidad como diseñador web en Edimburgo, en concreto user experience designer. La vía de escape de un trabajador del world wide web obviamente tenía que tomar forma de sueños multicolores pixelados… Paisajes abstractos con pequeños vínculos con la realidad, en ocasiones algún animal que parece haberse escapado de un videojuego. Obras que aguardan a ser portadas de libros o directamente convertirse en una nueva realidad, un día de estos.

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El Urbex o Exploración Urbana es una de esas aficiones que van vinculadas a individuos con inquietudes creativas y cierta fascinación por el paso del tiempo reflejado en lugares abandonados. El tesoro de este tipo de exploraciones son los espacios vírgenes (sin vandalismo) porque reflejan un lugar congelado en el tiempo, inerte. Son lugares que despiertan la imaginación, no solo sobre su vida pasada, sino también sobre nuevas posibilidades. Tras muchas exploraciones y fotografías, Chris Peters está introduciendo vida en algunos de estos espacios a través de su proyecto Public/Private.



Obviamente nos referimos a vida en un sentido poético, Public/Private refleja en las oscuras y decadentes paredes, la vida que continúa en el exterior, más allá de esos muros. Para ello Peters transforma las habitaciones en grandes cámaras oscuras, tapando completamente la ventanas y después abriendo un agujero a su gusto, a través del cual la luz refleja una fotografía continua, una proyección de grandes dimensiones que superpone la vida sobre la muerte, la luz sobre la oscuridad. Es entonces cuando Chris captura ese espacio, e incluso captura ese paso del tiempo a través de preciosos time-lapses:



Como siempre decimos, las mejores ideas no siempre dependen de la tecnología más avanzada. Simples y antiguos conceptos pueden ser revisados una y otra vez con una nueva perspectiva. Así es el trabajo de Chris Peters, profesor, artista y fotógrafo nacido en Wisconsin en 1978. Licenciado en Bellas Artes en fotografía y vídeo, y con un master en Community Art por el Maryland Institute College of Art.

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Aunque la creatividad gráfica de altos vuelos se suele dar bastante repartida por el territorio nacional, siempre las grandes ciudades tienen más opciones de ver crecer a aquellos diseñadores que van a despuntar. Barcelona ha visto pasar todo tipo de buenas épocas y nombres propios bien rotulados y animados… Vasava, Inocuo Design, Alex Truchot, Dvein y generación tras generación hay que añadir más nombres a esta lista, ahora es el turno de Josep Prat Sorolla.



Hablar y destacar a diseñadores y ciudades siempre es difícil, más que nada por no hacer de menos a nadie, ya que como decíamos el talento gráfico está bien repartido, pero Josep se ha ganado su merecida atención a base de crear un estilo propio que conjuga diseño gráfico, animación y vídeo a partes iguales. Con claros referentes a los gráficos ochentas y su toque de ciencia ficción, retro-3D y arte pop. A continuación puedes ver una de sus más recientes creaciones visuales:



Miembro del estudio Cubbish y representado por la agencia O Studio, Prat ha tenido la ocasión de mostrar su talento para tan destacados clientes como Adidas y FIU BCN, colaboraciones con Yorokobu y Granta Magazine, hacer portadas para los discos de Betty Belle, Shirobon, Electro Avenue o Maximum Burn, participar en la creación de vídeos para Fangoria, The Vaccines, Orax, Breakbot… y así hasta una larga lista de impecables trabajos que también incluye su propia colección de moda para Print All Over Me / PAOM. Suma y sigue y sigue y sigue.

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Estamos acostumbrados a etiquetar todo, definir cada estilo por un nombre. En el mundo del tatuaje términos como Old-School, New-School, Japonés, Tribal, Blackwork, Biomecánico, etc. definen los caminos establecidos, sin embargo siempre hay intrépidos a los que les gusta marcar su propia senda y hacer de su estilo una etiqueta única, una marca reconocible con nombre propio, por ejemplo: David Cote. Este canadiense ha sabido crear su propio género en menos de cinco años tatuando.



Se podría decir que los trabajos de Cote son puramente gráficos, tan cercanos a la ilustración que parece mentira que funcionen como tatuajes. Sin embargo así es y no le faltan clientes dispuestos a llevarse en la piel una obra original. Sus diseños tienen ciertas raíces Old-School, pero la temática general suele ir en otra línea, del surrealismo a la colorida psicodelia, pasando por una vena ciertamente poética y en ocasiones incluso naive. Sin duda, el estilo perfecto para ilustrar el cuento de tu propia vida.

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En la pasada edición de La Biennale del Arte en Venecia descubrimos entre otras la totémica obra de Huma Bhabha, una escultora pakistaní afincada en Nueva York. Sus obras nacen de los desperdicios de una sociedad tecnificada y consumista, reciclando todo tipo de materiales plásticos, especialmente piezas poliestireno, para dar forma a figuras humanoides de gran tamaño que recuerdan a los totems de civilizaciones desaparecidas. Es por eso que su obra tiene cierto aire de distopía post-apocalíptica.



Entre muchos de sus internacionales logros como artista, Huma ha expuesto en solitario en el MoMA y el Aspen Art Museum, aparte de destacadas galerías en todo el mundo: Galerie Niels Borch Jensen (Berlin), Stephen Friedman Gallery (Londres) y Grimm Fine Art (Amsterdam), entre otras. La obra de Bhabha, principalmente sus esculturas, retoma la tradición del arte de encarnar un ente superior, humano, extraterrestre o quizás deidad, capaz de devolver al espectador a un estado primitivo. El aspecto brutal y en cierta forma oscuro y ritual de su estilo personal nos impone más fascinación que miedo, creando así obras dignas de ser adoradas en lugar de admiradas.

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Aunque hace tiempo que estamos dispuestos a enterrar el arte urbano como vanguardia, siempre hay una vuelta de tuerca más, algo que nos hace volver sobre el tema, como si camináramos en círculos. Y es que la evolución abstracta de muchos de los que encarnaron la revolución urbana sigue dando frutos interesantes, como la obra de Jan Kaláb y su actual obsesión con las formas redondas y todo lo que la perfección del círculo inspira… de burbujas a planetas.



Aunque para ser completamente honestos, el trabajo del checo Kaláb no se trata sólo de obras circulares, su origen tiene lugar en forma de letras (puro graffiti) para después encarnarse en formas geométricas y planos que se superponían, reinventando las tres dimensiones. En su último paso a redondeado la idea, siguiendo su línea de colores planos y abstracción tridimensional. El resultado se puede ver estos días en BC Gallery (Berlin) bajo el título Tension hasta el 27 de Febrero.

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